Il corso fornisce agli allievi attori e alle allieve attrici le basi tecniche e interpretative per un uso consapevole e professionale della voce nel lavoro dell’attore.

Attraverso un percorso strutturato e progressivo, verranno affrontati, a titolo esemplificativo e non esaustivo:

• i principi della respirazione diaframmatica e naturale;
• la corretta articolazione delle vocali e delle consonanti dell’italiano standard;
• l’eliminazione o la gestione consapevole delle inflessioni regionali;
• l’uso espressivo della voce nella lettura e nell’interpretazione del testo.

Particolare attenzione sarà dedicata all’ortoepia della lingua italiana e alla relazione tra corpo, respiro, voce e intenzione scenica.

Il corso alterna lezioni teoriche, esercizi pratici e applicazioni su testi teatrali e narrativi, con l’obiettivo di sviluppare negli allievi e allieve una voce autentica, adatta alle esigenze della scena contemporanea.

L’insegnamento si basa su una solida formazione vocale, arricchita da un’esperienza pluriennale nella didattica attoriale e nel Metodo Linklater, noto a livello internazionale per liberare la voce naturale dai blocchi più frequenti e ritrovare una maggiore espressività.

Il percorso del programma del biennio si prefigge di far conoscere agli allievi attori le regole che lo aiuteranno a studiare e ad approcciare a qualsiasi testo teatrale.

Scrittura, struttura del testo, logica, punteggiatura, significato, significante, linguaggio, sono le parole chiave che ci accompagneranno lungo tutta la formazione.

Testo e sottotesto saranno analizzati tanto da poter trarne le intenzioni che l’attore/interprete deve restituire al pubblico.

Contestualizzando sempre l’azione e la situazione daremo un corpo alle parole degli autori che tratteremo.
Tenendo sempre in conto la necessità di essere interpreti contemporanei, cioè portatori di un linguaggio contemporaneo.

Mettendo insieme: voce, energia, presenza scenica, cercheremo di rendere tridimensionale la parola che nel testo scritto rimarrebbe bidimensionale.
Non dimenticando di dare attenzione alla pratica del teatro in versi e alle regole della prosodia.

Il percorso del programma del biennio mira a far maturare la consapevolezza del proprio corpo e del proprio essere fino a raggiungere la coscienza di essere uno strumento artistico finalizzato alla creazione scenica.

Partiremo dall’osservazione del proprio corpo e della propria gestualità tipica, per trovare, attraverso la ricerca e con l’uso della maschera neutra, uno “stato d’essere” nuovo ove poter costruire un corpo utile all’essere attoriale. Con la suddivisione geometrica di un luogo si esamineranno spazio e libertà, il posto sulla scena, il controllo e i processi regolatori. Scomponendo i movimenti scopriremo il rapporto fra gesto e parola studiando la forma del corpo e del gesto, cosa rappresenta l’essere umano e cosa può rappresentare. Il rapporto con pittura, scultura, musica e poesia. Attraverso basi d’improvvisazione svolgeremo un allenamento fisico che sarà diviso per singola parte del nostro corpo e si svilupperà in modo individuale, in coppia e in gruppo. La scena verrà sovente implementata da testi non verbali che costituiranno l’anima del teatro.

Si passerà poi a un’analisi del linguaggio del gesto che ci porterà alla padronanza dei movimenti con l’acquisizione delle loro regole grammaticali. Acquisite tali competenze, si lavorerà sul movimento continuo aggiungendo i suoni più utili (la cui emissione sarà approfondita in altra materia) all’adattamento artistico. Equilibri e movimenti verranno applicati tanto alla recitazione quanto alla regia. La loro visione d’insieme sarà curata di concerto con l’insegnante che fungerà da tramite tra osservato e osservatore. Esploreremo il raccordo tra il corpo, le emozioni e gli stati d’animo, alla ricerca di un’armonia in grado di creare bellezza artistica. Esploreremo le differenze tra realismo e rimando, sottolineando le necessarie differenze che bisogna creare imparando a scoprire le fonti presso cui attingere.

Il corso vuole avvicinare alla scrittura in modo libero, divertente e profondo. Per esplorare il potere delle storie, allenare l’immaginazione e trovare – o riscoprire – la propria voce.

Durante il percorso scriveremo a partire da stimoli creativi, immagini e ricordi, leggeremo e condivideremo i nostri testi in un ambiente accogliente, ci confronteremo su tecniche narrative e strumenti espressivi, scopriremo che scrivere è un atto di libertà!

Lo scopo è quello di stimolare la creatività e la libertà espressiva, superare il blocco della pagina bianca, trovare uno stile personale, imparare a leggere (e rileggere) ciò che si scrive con nuovi occhi, valorizzare l’ascolto, l’ispirazione reciproca e il lavoro di gruppo.

Partendo da un testo teatrale esistente (classico o contemporaneo), ogni partecipante sarà invitato a riscrivere uno o più personaggi, trasformandoli radicalmente o reinterpretandoli in chiave personale e originale.
La riscrittura di un personaggio include: cambiarne età, genere, epoca, cultura o motivazioni; spostare il personaggio in un contesto completamente diverso (es. Giulietta a Berlino nel 2040); reinventare il linguaggio, i desideri, le paure, i sogni; dare spazio a personaggi minori o creare una controparte a quelli esistenti.

Uno studio sulla storia del teatro partendo dalla nascita della tragedia, passando per il teatro medioevale, la commedia dell’arte, il teatro shakespeariano, fino ad arrivare alla crisi del logos e ai nuovi bisogni del teatro.

Per conoscere e comprendere le dinamiche attuali da ciò che è accaduto e che accade con l’obiettivo di sviluppare un pensiero critico e teorico oltre che pratico.